Tüm zamanların finali en güçlü olan 10 filmi

Bu listede dramatik, sürrealist, şiirsel ve esrarengiz sonlar var. İşte güçlü finalleri ile izleyiciyi koltuğunda kilitleyen 10 harika film.

Amerika Birleşik Devletleri'nden birkaç senaryo kılavuzuna göre, bir film üç eyleme ayrılmıştır. Birincisi: başlangıç, film süresince keşfedilecek film evreninin sunumu. Ardından: ilk sahnede sunulan olası bir çatışmanın geliştirilmesi. Son olarak: nihai son, bir epilog; bunda daha önce yaratılan çatışmaların kararları o anın anahtarıdır.

Tabii ki, bir film tamamen analiz edilir. Ancak son izlenim, son parıltı, son bakış, izleyicinin kararını belirleyen şeydir. Bazı film sonları izleyiciyi şaşkınlıkla (“The Shining”), drama ile (“One Flew Over the Cuckoo's Nest”), son bir iç çekişle (“The Revenant”) veya belki de kurtuluşla (“ Rüzgar”) bırakabilir.

Sinemanın klasik ve melodramatik yönleri olarak, yoğun ve genellikle dramatik duygulara neden olan sonlar her zaman etkilidir. Bu arada, modern sinema, çoğu zaman karakterlerinin içine yansıtan boş sonlar arar.

Dikkat - Burdan sonrası  SPOILER dolu

10. The Embrace of the Serpent (Ciro Guerra, 2015)

Son birkaç yılın en şiirsel parçalarından biri olan “The Embrace of the Serpent” şüphesiz Latin Amerika sinemasının şaheseridir. Ciro Guerra, kolonizasyon ve keşif gibi hassas noktalara dokunmak için gereken çok hassas ve incelikle yönetiyor.

Film, hasta bir Alman kaşif olan Theo'nun ve Yerli Karamakate'nin Amazon ormanlarında nadir ve mucizevi bir bitki arayışında yolculuğuyla ilgili. Kırk yıl sonra, başka bir yabancı olan Evan, Karamakate ile aynı yolculuğa çıkıyor.

Filmin sonunda bir dağa gelirler ve Evan nadir bitkiyi  tadar. Karamakate karışımı Evan'a uygular, kaşif bayılır ve bir dizi onirik ve halüsinojenik görüntü görür. Bu görüntüler filmi önceki sahnesinden uzaklaştırarak evrenin oluşumunu ifade eder; ayrıca, kamera dağların arasında yüzerken, ağır müzik ve ritüelist fısıltılar arka planda duyulabilir.

Evan bayılana kadar bütün film siyah beyaz. Bu noktadan itibaren, “The Embrace of the Serpent” bir yılanın hareketlerinden birini hatırlatan labirent formlarla renklenmeye başlar. Ustaca yürütülen bu halüsinasyonlar, izleyiciye büyülü bitkinin neden olduğu onirik görüntüler hediye eder.

9. Blow-Up (Michelangelo Antonioni, 1966)

Yönetmenin sadece üç İngilizce filminden biri olan “Blow-Up” ‘60'ların bir tezahürüydü. Yapay bir dünyada yaşamaktan bıkmış olan tanınmış bir moda fotoğrafçısı olan Thomas, olası bir cinayetin fotoğrafıyla şok oluyor. Modeller ve gizemli bir kadın tarafından kovalanan Thomas, yaşadığı dünya hakkında giderek daha kayıtsız kalır.

Film, bir grup mimin (pandomim yapan sanatçı) bir parkta hayali bir tenis maçının taklitlerini yapmasıyla bitiyor. Fotoğrafçının şaşkın bakışıyla, grup sözde tenis topu sahadan atılana kadar oynamaya devam ediyor. Hepsi Thomas'a bakıyor; huzursuz hissederek çimlere gider ve topu alıp mimcilere geri verir. Maçı hala gözlemleyerek, tenis kortunda seken topu duymaya başlar.

Thomas burada bir krizin ortasında. Hayatının monotonluğu onu sınırlandırdı; cinayetin gerçekten gerçekleşip gerçekleşmediğini veya sadece bilinçsiz bir yansıma olup olmadığını bilmiyor. Kendisini varolmayan varlıklarını tatmin etmek için eylemler yapan pandomimlerle özdeşleştirir. En azından beklediğinde, şaklabanın hayali maçına inanmaya başlar.

8. Easy Rider (Dennis Hopper, 1969)

Çok büyük bir aktör olmasının yanı sıra Dennis Hopper, “Easy Rider” ile yaptığı en yüksek işi yaparak kendisini erdemli bir yönetmen olarak kanıtladı. Ekrana ABD'nin hippi kültürünün küçük bir bölümünü yerleştiren yönetmen, bu parçanın iki kahramanının cesaretinden ilham alan bir nesil genç insanı işaretledi. Kesinlikle, etkisi, eski genç hippilerin hayal gücünde yankılanan fantastik film müziği seçimi ile bir araya geldi.

“Easy Rider”, uyuşturucu satışı yapmak için ABD'yi geçen iki bisikletçinin, Billy ve Wyatt'ın hikayesini anlatıyor. Anlaşmayı bitirdikten sonra dünyanın en ünlü kutlamalarından biri olan Mardi Gras'a zamanında varmak için olabildiğince hızlı bir şekilde ülke içinde seyahat etmeye başlıyorlar. Zorlu yolculukları sırasında, çift 1960'larda bir şekilde Amerikan toplumunu ortaya çıkaran eksantrik figürlerle yolları keşisiyor.

Asit gezileri, cinayet ve fahişelerle ilişki kurduktan sonra - Billy ve Wyatt yollarına devam ediyor. Bunun ortasında, bir minibüste, hippi görünümlerini ve standart dışı standartlarını analiz ederken, kahramanlara ateş ederek onları öldüren iki adamla karşılaşırlar. Son derece ani, bu son, toplumun büyük hippi ideolojisi dilimine, insan yaşamının değişkenliğine olan önyargılarına ek olarak güçlü ve vurgulayıcıdır.

Büyük maceralar ve aşkın deneyimlerden geçtikten sonra, ikisi tamamen rastgele bir kişi tarafından ateşlenen tek bir atışla öldürüldü. Tüm filmden farklı olarak Hopper, sahneyi hamlık ile yönetiyor, o sırada mevcut olan maksimum gerçekçilikten yararlanmaya çalışıyor ve böylece Amerikan sosyal organizasyonuna karşı sert bir fesih yapıyor.

7. The 400 Blows (François Truffaut, 1959)

Godard, Varda ve Resnais ile birlikte François Truffaut, Fransız Yeni Dalgasının en büyük ustalarından biridir. Film yapımcısı olmadan önce efsanevi film dergisi Cahiers du Cinema'nın eleştirmeni ve yazarıydı.

Çocukluğu boyunca Amerikan Sineması klasiklerini izlemek ve analiz etmek için Fransız Sinematek'in içinde çok zaman harcadı. Bununla birlikte, film yönetmeni olarak erdemli kariyerini geliştirmesine yardımcı olan olağanüstü bir sinematografik repertuar yarattı.

Fransız Nouvelle Vague'un açılış filmi olarak kabul edilen “400 Blows”, Fransız yönetmenin en otobiyografik filmidir.

Bu filmde genç Doinel, ailesinden ve arkaik okul eğitiminden gelen empoze karşı isyan ediyor. Çocuk, aile bağlarını kopararak ve küçük suçlar işleyerek, kişilerarası ilişkilerini yeniden düşünmesini sağlayan otoriter ve baskıcı bir yatılı okulla karşı karşıya kalır.

Belki de film tarihinin en ikonik finallerinden biri. Her ne akdar basit görünse de, filmin sonu Doinel'i tek başına sahildeki kumlarda koşarken gösterir. Böyle bir sanat eserini kapatmak için daha mükemmel bir sahne olamaz.

Burada, kahramanların yalnızlığı ve ergenlik öfkesi, Leaud'un yüzünün ünlü yakın çekimi ile araştırılmaktadır. Denizin yoğunluğuna doğru ilerleyen, bilinmeyen, korkutucu, büyüleyici, Doinel kıvrımlı yolunu izler.

6. The Holy Mountain (Alejandro Jodorowsky, 1973)

Alejandro Jodorowsky tam bir sanatçı: bir şair, yazar, film yapımcısı ve aktör. Şili'de yaşayan ancak Avrupa kökenli bir ailenin yanında olan yönetmen kariyerini hem Meksika'da hem de ABD'de sürdürdü.

Saçma ve psychedelia'dan çalışan Jodorowsky, tarihin en megalomanyak film yapımcılarından biri olarak kabul edilir. İkonik “Dune” kitabını uyarlamaya yönelik ütopik projesi birkaç yıldıza (Salvador Dalí gibi) ve standartlarının tamamen dışında bir bütçeye dayanıyordu.

Yönetmenin en çok beğenilen eseri şüphesiz The Holy Mountain. Bunda, İsa Mesih ile güçlü benzerliklere sahip bir hırsız, garip ve dini bir şehirde yürür.

Hıristiyan ve pagan sembolleri ile dolu olan kahraman, yok edilen senaryolar ve hayal edilemez varlıklar arasında dolaşır. Bir gün, Jodorowsky'nin kendisi tarafından oynanan manevi bir akıl hocası, onu her biri güneş sistemindeki bir gezegeni temsil eden yedi kişiden oluşan bir kasaya götürür. Kutsal Dağın tepesine çıkmalı ve Tanrıların yerini almalılar.

Gerçeküstücülükteki bu maksimum çalışmanın sonu, tamamen beklenen şeyin karşıtlığıdır. Ölümlüler ve tanrılar arasında çatışma yoktur. Bununla birlikte, film ve izleyici arasında bir çatışma var. Dağa geldikten sonra, Jodorowsky usta ve çırakları arasında hızlı bir diyalog sunar ve daha sonra bir filmde en az beklediğini ortaya çıkarır: kameranın kendisi.

Usta bir çekimde tüm takım ortaya çıkar ve tüm oyuncu kadrosu doğrudan merceğin merkezine bakar. Seyirciler tanrı mıydı? Yoksa Jodorowsky'nin karakterinin çırakları mı?

5. Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Stanley Kubrick, 1964)

Bir başka büyük Stanley Kubrick filmi. Bu kez, Sovyetler Birliği ve ABD arasındaki komünizm, kapitalizme karşı ideolojik çatışmalar hakkında hicivsel bir komedi. Sovyetler ve Amerikalılar arasındaki uç noktaların temel stereotiplerini kullanan Kubrick, insan davranışının kendisinden şüphe edecek kadar iyi kahkahalar ve eleştiriler verecek kadar vodvil bir evren inşa ediyor.

Soğuk Savaş'taki bu üst düzey çalışmada, büyük Peter Sellers üç karşıt karakter oynar. Bu filmde, tamamen kontrolden çıkmış bir general, Sovyetler Birliği'ni bombalamak, ülkesinin tavsiyesine karşı çıkmak ve olası bir nükleer savaş başlatmak için bir plan tasarlamaya karar veriyor. Eşzamanlı olarak, başkan ve diğer danışmanları böyle bir planı önlemek için alternatifler ararlar.

Filmin sonuna doğru bomba fırlatılmak üzeredir. Böyle bir göreve gelince, böyle bir misyondan sorumlu olabilme kapasitesi olan biri atom bombasına tırmanır ve kovboy gibi Sovyet toprağına doğru fırlar. Böylece Pentagon'da Nazi Almanya'sında çalışan Dr. Strangelove (bilinçsiz ama hala canlı) Hitler tarafını ortaya koyar.

Bu şekilde Kubrick, zamanın jeopolitik durumunu gerçek bir cazibe sirki olarak görüyor. Generaller, komutanlar ve cumhurbaşkanları kendilerini kasıtlı ve şüpheli kişiler olarak gösteriyorlar. Bu nedenle Soğuk Savaş'a dalmış bir toplumun güvenilir bir portresidir.

4. Rosemary's Baby (Roman Polanski, 1968)

Modernizmin en tartışmalı yönetmenlerinden biri olan Roman Polanski, aynı zamanda birçok sinema şaheserinin de yazarıdır. “A Knife on the Water,” dan bu yana Polonyalı film yapımcısı zaten estetik açıdan maceracı bir yönetmendi.

Kariyerinde büyürken Catherine Deneuve (“Repulsion”) gibi büyük zamanlı yıldızlarla yapımlar ve ayrıca ABD'de filmlere imza attı. bkz. “The Tenant” ve “Bitter Moon.” Gerilim ve dehşetle flört eden yönetmen, kendisini bu türün en büyüklerinden biri olarak kabul etti.

Modern bir korku klasiği olan “Rosemary's Baby” Polanski'nin büyük eseridir. Mia Farrow ve John Cassavetes'in oynadığı film, bir çocuk sahibi olmaya çalışan bir çift hakkında. Sonunda hamile olan eş, kocasının ve yaşlı komşularının Şeytani bir mezhep ile geliştiğinden şüphelenmeye başlar ve nihayet Şeytan'ın oğlunu doğurmak olduğuna inanır.

Başlangıçta şaşkın olan kahraman, oğlunun beşiğine gider ve kült katılımcılar tarafından teşvik edilen bu şeytani yaratıkla ilgilenmeye başlar. Bu sahnede, paranoya, delilik, hayal kırıklığı ve şaşırtıcı bir şekilde, çocuk için bir sevgi, “Rosemary's Baby” ni film tarihinin en ilgi çekici ve dehşet verici filmlerinden biri haline getiri.

3. The Great Dictator (Charlie Chaplin, 1940)

II. Dünya Savaşı sırasında faşizmle ilgili harika filmlerden biri. İlk konuşulan filminde ünlü İngiliz yönetmen, Adolf Hitler ve Benito Mussolini tarafından popüler hale getirilen hükümet sistemini sert bir şekilde eleştiriyor. “Büyük Diktatör” te Chaplin, tiran bir diktatör Adenoid Hynkel tarafından takip edilen mütevazı bir Yahudi esnafın hikayesini anlatıyor. Ancak zulüm sırasında esnaf vali ile karıştırılır.

Son sahne dünya sinemasında bir iz. Diktatör gibi davranan esnaf, askerlerine bir konuşma yapmaya ve adapte olmaya çağırılır. Sonra, otoriter bir liderden beklenenleri söylemek yerine, mütevazi vatandaş halk arasında insani bir birlik konuşması yapar.

Birleşik ve huzurlu bir dünya için güçlü ve çaresiz bir istek filmin sonunu getirir ve kolektif bilinçaltı içinde hayatta kalır. Konuşmanın sonunda, sanki insanlık dünyanın acılarını ve çilelerini hafifletmeye çalışmakla sınırına gelmiş gibi ağır bir şekilde nefes alır.

2. Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)

Sovyet ustası Andrei Tarkovsky'nin sayısız şaheserinden biri olan “Stalker”, sinematografisinin zirvesidir. Her zamanki felsefi temaları ve neredeyse gözlemleyen kamerasıyla Tarkovsky, filmografisinde bir bütünlük içindedir. Her zamanki dil özelliklerini yoğun diyaloglara ekleyen “Stalker” dünya sinemasında gerçek bir iz bırakmıştır

Film, hükümet tarafından yasaklanmış bir bölge olan The Zone'ye giren üç gezgin hakkındadır. 'Stalker', diğerlerine rehberlik eden kişi, onunla birlikte iki adam daha alır: 'Profesör' ve 'Yazar' Bazı masallara göre, Bölge'nin içine girenlerin isteklerini gerçekleştirebilecekleri bir oda vardır. Yaşamları için tehlike yaratan durumlardan geçmekte olan üç kişi, hükümet tarafından yasaklanmış bir yere girme motivasyonları hakkında tartışıyor.

Finalde, Stalker'ın Monkey adındaki kızını, evinin yanında bir tren geçişi duyarken masasında bir bardak sütü izlerken görüyoruz. Aniden, bardak titremeye başlar ve sonunda düşer. Tek bir çekimde sunulan bu final sahnesi, Stalker'dan Bölgeye olan yolculuğu simgeler.

Filmin başında, kahraman ve karısı kızlarının sağlığı ve yakında hastalığından nasıl kurtulmasını istedikleri hakkında tartışıyor. Bölge, telekinetik yetenekler vererek, Monkey'in babasının iyiliği ile ilgili bilinçsiz arzularını gerçekleştirebildi mi? Yoksa cam sadece trenin yarattığı güçle mi düşüyor? Böyle şiirsel belirsizlik “Stalker” ın sonunu Tarkovsky sevenler için büyük bir gizem haline getirir.

1. 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968)

Stanley Kubrick, tüm zamanların en çok yönlü film yapımcılarından biriydi. Soğuk Savaş hakkında hicivli bir komedi (“Dr. Strangelove”), pedofil hakkında rahatsız edici bir drama (“Lolita”), Spartacus hakkında destansı bir film (“Spartacus”), inanılmaz bir bilim kurgu eseri (“2001: A Space) Odyssey ”) ve distopik ultra şiddet filmi (A Clockwork Orange).

Bunlar Kubrick'in başyapıtlarından bazı temalar. Tüm bunlara rağmen, Amerikalı yönetmenin filmleri Oscar'da En İyi Film ödülüne hiç aday gösterilmedi. Tüm kariyerinde asla Akademi'den tanınmayı hak etmedi, ancak dünyadaki festivallerde filmleri neredeyse her zaman başarılı oldu.

Tüm zamanların en esrarengiz filmlerinden biri olan “2001: A Space Odyssey” hala 60'larda genç olanların zihinlerinde yankılanıyor. İnanılmaz Kubrick, bilim kurgu yoğun evrenini keşfetti ve başarılı oldu.

Filmi, insanlık tarihinde dev bir üç nokta yapan birden fazla bölüme ayrılmıştır. Tarih öncesinde başlayan film, gizemli bir monolitin bilim adamlarını ilgilendirdiği bir ay uzay istasyonuna kesiliyor. Yıllar sonra, Discovery uzay aracında, David ve Frank, monolitin kökenini araştırmak için Jüpiter'e gönderilir.

Jüpiter'e vardıktan sonra David, kendi figürüyle Fransız mimarisinin beyaz bir odasına gelir, ancak daha yaşlı hali, bir yatağın içinde, ölümün eşiğinde uzanır. Böyle bir rüya senaryosunda, aniden ortaya çıkan monolit, uzayda yüzen devasa bir fetüs haline gelir. Burada, gerçeküstücülük, sembolizm ve gizem atmosferi ele geçirir. Hiçbir açıklama veya teori yoktur.

“2001: A Space Odyssey” nin sonu, filmin sergilemek için ortaya koyduğu her şeyin bir özetidir: daha önce yapılmış olan filmlerin çoğunda mevcut olan rasyonalizmden kaçan, her izleyicinin bilinçaltı tarafından yaratılan anlamlar.

İlgili İçerikler

• Seri şekilde izlenecek en iyi 12 Netflix dizisi
• Sürpriz sonuyla finalde ters köşe yapan filmler
• Defalarca izlenebilecek 10 harika film finali - SPOİLER!!!
• Filmleri daha iyi hale getiren 10 çekim hatası

Yazarın Diğer Yazıları

• Masanızın Seviyesini Yükseltin: Çift Monitör Kurulumunuzu Geliştirmenin 8 Yolu
• Neden Bir VPN'e İhtiyacınız Var ve Doğru Olanı Nasıl Seçersiniz?
• iOS 16'da iPhone'unuzun Kilit Ekranını Nasıl Düzenlersiniz?
• Apple'ın Canlı Metni: Bir Fotoğraftan veya Videodan Nasıl Kopyalanır ve Yapıştırılır
• Kısa ve Uzun Vadede Daha Üretken ve Verimli Olmak İçin 11 İpucu